To, co kiedyś było dziwną małą niszą w fotografii, teraz jest światowym fenomenem. Popularność fotografii kulinarnej rośnie tylko wtedy, gdy 32 miliony postów na Instagramie to coś do przebicia.
Fotografia kulinarna pozostanie na dłużej, ale nie jest to łatwy gatunek do opanowania.
Nasz przewodnik zawiera kilka najważniejszych wskazówek i sztuczek, które pomogą Ci uzyskać apetyczne rezultaty.
Ekwipunek
Aparaty
Pierwszą rzeczą, o której należy pomyśleć, szukając nowego korpusu aparatu, jest rozmiar czujnika.
Niezależnie od tego, czy zdecydujesz się kupić aparat z przyciętym przetwornikiem, czy zainwestować w pełnoklatkowy, Twój budżet prawdopodobnie zadecyduje o Twoim wyborze.
Ważne jest, aby wiedzieć, że aparat i obiektywy zachowują się inaczej, gdy mają przycięty czujnik niż pełnoklatkowy.
Każdy aparat ma współczynnik przycięcia. Jest to liczba używana do opisania, jak bardzo aparat przycina Twoje zdjęcie w stosunku do standardowej 35 mm.
Pełnoklatkowy aparat odpowiada standardowi kadrowania 35 mm tradycyjnego aparatu na kliszę. Posiada czujnik o wymiarach 24 mm x 36 mm. Przycięty czujnik jest mniejszy i dlatego jest tańszy w produkcji dla producentów aparatów. Nie pasuje do wielu soczewek, a ostateczne obrazy wyglądają inaczej.
Na przykład Canon Rebel ma współczynnik kadrowania wynoszący 1,6. Oznacza to, że mnożymy 1,6-krotność ogniskowej obiektywu, aby uzyskać rzeczywistą ogniskową, przy której będzie wyglądać tak, jak robiono zdjęcia.
W aparacie pełnoklatkowym obiektyw 50 mm zachowuje się jak obiektyw 50 mm. Umieść ten sam obiektyw na aparacie z przyciętym czujnikiem, zachowuje się bardziej jak 80 mm.
Soczewki
Soczewki to miejsce, w którym powinieneś wydać największą część swojego budżetu. Powinieneś traktować je jako długoterminową inwestycję w swoje rzemiosło.
Oto czynniki, które należy wziąć pod uwagę:
Ostrość
Twoim największym zmartwieniem przy zakupie obiektywu jest ostrość.
Obiektywy stałoogniskowe są preferowane podczas fotografowania jedzenia, ponieważ są ostrzejsze niż obiektywy zmiennoogniskowe.
Obiektywy zmiennoogniskowe mają więcej ruchomych części, które umożliwiają działanie zoomu. Powoduje to zwykle niższą jakość i ostrość obrazu.
Soczewki stałoogniskowe są zwykle „szybsze”. Mają większy maksymalny otwór przysłony, co umożliwia szybsze czasy otwarcia migawki.
Zapewniają również znacznie mniejszą głębię ostrości, umożliwiając wyodrębnienie obiektu i uzyskanie naprawdę ładnego rozmytego tła, które wszyscy uwielbiamy w fotografii żywności.
Obiektyw 50 mm
50 mm może być również użytecznym obiektywem, zwłaszcza jeśli nie masz zoomu. Ten obiektyw jest dobry do robienia zdjęć z góry i pejzaży stołowych. Może jednak powodować pewne zniekształcenia podczas robienia zdjęć w stylu portretowym. W fotografii żywności obiektyw 50 mm jest uważany za obiektyw szerokokątny.
Obiektyw 50 mm f / 1.8 jest często określany jako „fajny pięćdziesiąt”, ponieważ zapewnia przyzwoite wyniki za bardzo niską cenę. Jeśli dopiero zaczynasz, a Twój budżet jest napięty, kup ten.
Obiektyw 24-70 mm
Chociaż stałoogniskowe są idealne, w rzeczywistości bardzo przydatne jest posiadanie jednego obiektywu zmiennoogniskowego w zestawie, na przykład 24-70 mm.
Jest bardzo ostry jak na obiektyw zmiennoogniskowy i naprawdę wszechstronny. Wielu fotografów kulinarnych uważa to za podstawowy element ich zestawu.
Makro 60 mm
Jeśli fotografujesz z przyciętym czujnikiem, wówczas makro 60 mm to świetny wybór.
W przypadku przyciętego czujnika bardziej przypomina to 100 mm. Jeśli przejdziesz na pełną klatkę, możesz używać jej tak, jak 50 mm.
Ten obiektyw umożliwia wykonywanie ujęć obiektu pod kątem 3/4 z ładnym efektem bokeh na przyciętym czujniku.
Nie uzyskasz również zniekształcenia pod tym kątem, które występowałoby podczas fotografowania z szerszą ogniskową, na przykład 50 mm.
Makro 100 mm
Doskonały obiektyw, który możesz mieć w swoim zestawie, to obiektyw makro 100 mm. Ten obiektyw nadaje się nie tylko do ujęć makro i zbliżeń, ale także do nich jest świetny.
Odsuwając się dalej od zestawu, możesz również uzyskać bardzo ładne zdjęcia w stylu portretowym. Ogniskowa daje świetne rozmyte tło.
Jeśli wybierzesz obiektyw makro 100 mm / 105 mm z przyciętym czujnikiem, będziesz fotografować z ogniskową 150 mm.
Będzie to bardzo ciasny plon, co może stanowić problem, jeśli problemem jest przestrzeń.
Statywy
Statyw to musieć do fotografii kulinarnej. Pomaga tworzyć spójne obrazy i uwalnia ręce do stylizacji zgodnie z tym, co widzisz przez aparat.
Największym wymaganiem w przypadku statywu jest stabilność. Statyw musi wytrzymać ciężar aparatu i obiektywu.
Kupując statyw, szukaj takiego z możliwością regulacji wysokości i orientacji. Tutaj masz środkową kolumnę, którą możesz przesunąć.
Upewnij się, że ma gumowe nóżki, aby uniknąć poślizgu, i że ma dużą ładowność.
Ładowność odnosi się do ciężaru, jaki statyw jest w stanie wytrzymać. Musi wytrzymać ciężar aparatu, obiektywu i wszelkich innych dodatków, takich jak wspornik lub wysięgnik.
Stylizacja żywności
Celem stylizacji żywności jest nadanie jej jak najlepszego wyglądu. Większość potraw wymaga trochę lekarstwa, aby wyglądały dobrze dla aparatu.
Oto kilka rzeczy, które należy wziąć pod uwagę, przystępując do stylizacji żywności:
Używaj jak najświeższej żywności
Fotografowana żywność musi być tak świeża, jak to tylko możliwe, aby wyglądała atrakcyjnie na zdjęciach. Kupując składniki, staraj się kupować najświeższe i najlepiej wyglądające dostępne produkty.
Zawsze miej przygotowaną scenę, oświetlenie i kamerę przed umieszczeniem jedzenia na planie.
Dostosowując ustawienia oświetlenia i aparatu, użyj zamiennika w podobnym kolorze i kształcie, co jedzenie, jako zamiennika. Zastąp go swoim „bohaterem” (głównym tematem jedzenia) w ostatniej chwili, aby wyglądał tak świeżo i apetycznie, jak to tylko możliwe.
Kup więcej niż potrzebujesz
Robiąc zakupy spożywcze, pamiętaj, aby kupować więcej, niż myślisz, że będziesz potrzebować do sesji. Jedzenie wysycha, topi się, brązowieje lub w inny sposób zaczyna wyglądać nieatrakcyjnie w krótkim czasie.
Należy go zastąpić świeższymi przedmiotami.
W zależności od potrawy do wypełnienia ramki może być również potrzebnych wiele przedmiotów.
Platerowanie
Najważniejszym czynnikiem przy wyborze potraw, na których będziesz prezentować swoje potrawy, jest wielkość.
Obiekty mogą wyglądać zupełnie inaczej dla aparatu niż dla oka i często wyglądają na większe, niż się spodziewamy. Z tego powodu dobrym pomysłem jest wybieranie mniejszych naczyń niż zwykle używane.
Prezentuj przedmioty na talerzach sałatkowych lub mniejszych talerzach obiadowych. Duże płyty mogą przyćmić główny obiekt i zdominować kadr.
Dodatki
Zioła i przyprawy oraz przedmioty, takie jak grzanki, mogą poprawić jakość twoich zastrzyków do jedzenia.
Gałązki różnych ziół, takich jak rozmaryn, można związać sznurkiem kuchennym, aby zrobić małe bukiety, których można użyć do dodania kontekstu do historii kulinarnej.
Zwykłą miskę zupy można wzbogacić mżawką śmietany i posypką posiekanego szczypiorku.
Kluczem jest to, że twoje dodatki powinny mieć sens w szerszym kontekście twojej sceny. Jeśli strzelasz do łososia z sosem cytrynowo-koperkowym, nie dekoruj go bazylią.
Używając ziół, używaj ich jak najświeższych i wymieniaj je podczas strzelania. Szybko więdną lub utleniają się. Pokrojone zioła można przechowywać w lodówce znacznie dłużej, gdy są owinięte mokrym ręcznikiem papierowym.
Rekwizyty
Musisz mieć kolekcję rekwizytów do fotografii jedzenia.
Rekwizyt to każdy przedmiot, którego używasz na planie, aby poprawić wizerunek. W fotografii żywności są to zazwyczaj naczynia kuchenne, takie jak talerze i sztućce, miski i naczynia do serwowania oraz pościel.
Wybierając rekwizyty, zastanów się nad stylem fotografowania potraw i jakie typy rekwizytów będą go uzupełniać.
Jeśli Twój styl jest naprawdę czysty i elegancki lub bardziej wyrafinowany, takie rekwizyty nie miałyby większego sensu i lepiej byłoby, gdybyś miał bardziej delikatne elementy.
Ogólnie rzecz biorąc, trzymaj się z dala od bardzo jasnych kolorów i odważnych wzorów, ponieważ odwracają uwagę od jedzenia. Kolorowe elementy mogą dodać ciekawe miejsce, ale muszą współgrać z ogólną kompozycją i stylem zdjęcia.
Nie używaj wielu rekwizytów. Kilka odpowiednich rekwizytów może mieć duży wpływ na opowiedzenie wizualnej historii, ale zbyt wiele rozproszy uwagę widza i zdominuje obraz.
Wybierając rekwizyty, zacznij od jednego lub dwóch kawałków, na przykład neutralnego talerza sałatkowego i zabytkowego noża lub łyżki. Jeśli masz wątpliwości, nie komplikuj.
Tła
Będziesz potrzebował różnych interesujących środowisk, na których można umieścić jedzenie.
Używaj różnych elementów tła, takich jak tkanina, papier rzemieślniczy lub duże płytki podłogowe. Możesz także wykazać się kreatywnością i tworzyć własne.
Kup arkusze drewna i pomaluj je lub pomaluj je samodzielnie. Istnieją również świetne zasoby internetowe do kupowania profesjonalnych środowisk fotograficznych z jedzeniem, które są dostarczane na cały świat.
Podczas fotografowania jedzenia najlepiej sprawdzają się neutralne lub chłodne tła, takie jak niebieskie.
Oświetlenie
Modyfikatory oświetlenia
Niezależnie od tego, czy używasz światła naturalnego, czy sztucznego, musisz zmodyfikować swoje źródło światła.
Ważnym elementem zestawu jest dyfuzor. Jest to panel z czystego białego materiału, który kładziesz na krawędzi stołu, aby złagodzić światło padające na twoją scenę.
Będziesz także potrzebować kilku prostych narzędzi do odbijania i pochłaniania światła. Możesz kupić profesjonalny zestaw reflektorów 8 w 1 ze składanymi dyskami wykonanymi z różnych materiałów do wykorzystania podczas sesji, jak na zdjęciu poniżej.
Na przykład srebrny odbłyśnik może rozjaśnić potrawy, a złoty odbłyśnik doda ciepła. Zwykle jest również wyposażony w dyfuzor.
W przypadku wersji DIY można również użyć prostego czarnego lub białego kartonu zakupionego w sklepie rzemieślniczym lub dolarowym. Biel rozjaśnia scenę, podczas gdy czerń pochłania światło.
Style oświetlenia
Przed podniesieniem aparatu powinieneś mieć pojęcie, jak ma wyglądać ostateczny obraz. Czy chcesz, aby światło wyglądało miękko i przestrzennie, czy szukasz uderzającego kontrastu?
Im większy kontrast między jasnymi i ciemnymi obszarami, tym bardziej dramatyczny będzie twój obraz. Często temat będzie dyktował wybrane przez Ciebie światło.
Następnym razem fotografuj obiekt zarówno w miękkim, jak i twardym świetle i zwróć uwagę na różnicę. Jak każde podejście wpływa na ostateczny wynik? Wielu fotografów ma tendencję do przyciągania się do jednego lub drugiego w ramach swojego stylu.
Oświetlenie boczne
Dzieje się tak, gdy twoje światło pochodzi bezpośrednio z jedzenia.
Oświetlenie boczne to dobry sposób na fotografowanie wielu potraw. Działa w większości konfiguracji i jest łatwy w użyciu.
Umieść odbłyśnik lub kartę odbijającą po przeciwnej stronie światła. W zależności od tego, ile cienia chcesz umieścić na boku jedzenia, przesuń go bliżej lub dalej lub użyj mniejszego lub większego odbłyśnika.
Podczas fotografowania białych i przewiewnych scen nadal potrzebujesz cienia, aby dodać wymiaru.
Podświetlenie
Podświetlenie ma miejsce, gdy ustawiasz światło za jedzeniem.
Jeśli wyobrażasz sobie tarczę zegara, jest to godzina dwunasta. Jest to idealna pozycja do napojów lub zup, ponieważ dodaje połysku i podkreśla płynne właściwości potraw.
Ogólnie rzecz biorąc, podświetlenie jest bardzo korzystne dla jedzenia. Nadaje jej blasku i podkreśla jego konsystencję.
Jednak praca z tym może być trudna, ponieważ może spowodować, że obraz będzie zbyt jasny z tyłu i zbyt ciemny z przodu. Zbyt duży kontrast oznacza, że tył zdjęcia zostanie wydmuchany, a szczegóły zostaną rozmyte na głównym obiekcie. Niewystarczający kontrast spowoduje, że zdjęcie będzie zdmuchnięte lub wyblakłe, co dzieje się, gdy fotografujesz przy zbyt dużej ilości światła.
Podświetlenie boczne
Podświetlenie boczne to połączenie dwóch pierwszych rodzajów oświetlenia. To najlepsze z obu światów i najłatwiejsze w obsłudze. Tutaj nasze światło jest umieszczone między godziną 10 a 11.
Dzięki temu stylowi oświetlenia uzyskujesz połysk powierzchni zapewniany przez podświetlenie bez ryzyka prześwietlenia. Nie musisz też odbijać tak dużej ilości światła na przód potrawy, ponieważ światło pada pod większym kątem.
Korzystając z bocznego podświetlenia, będziesz musiał bawić się wysokością światła w stosunku do sceny, w zależności od tego, jak chcesz, aby cienie opadały.
Im bliżej zestawu znajduje się źródło światła, tym słabszy będzie spadek natężenia światła.
Kąty kamery
Kąt kamery może mieć potężny wpływ na ostateczny obraz.
Zanim sięgniesz po aparat, zastanów się, jakiego rodzaju potrawy lub potrawy fotografujesz i jaki kąt ustawienia aparatu pomoże wydobyć ich najlepsze cechy.
Podczas fotografowania potraw używane są trzy główne kąty kamery: z góry, z 3/4 lub prosto.
Kąt 3/4
Kąt 3/4 dotyczy sytuacji, gdy aparat jest umieszczony w dowolnym miejscu od 25 do 75 stopni w stosunku do obiektu.
Kąt 3/4 jest popularnym kątem, ponieważ jest tak wszechstronny. Zwykle można pokazać przód i powierzchnię naczynia, a także boki.
Często widzisz ten aspekt w komercyjnej fotografii żywności.
Kąt nad głową
Kąt nad głową to kąt 90 stopni. Ostatnio stało się to bardzo popularne dzięki Instagramowi.
Ten kąt zdecydowanie ma kilka pozytywów. Dobrze nadaje się do dopasowania kilku elementów do sceny, na przykład do pejzażu tabel. To również sprawia, że jest to świetny sposób na opowiadanie historii. Podczas fotografowania z góry możesz zobaczyć w kadrze różne rekwizyty, składniki lub potrawy z jedzeniem. Często też łatwiej jest skomponować ujęcie przy użyciu tego kąta niż 3/4 lub prostego.
Jednak kąt nachylenia nad głową nie działa w przypadku każdego rodzaju potrawy. Eliminuje głębię, co nadaje obrazowi bardziej graficzny pop, ale nie nadaje się do każdego rodzaju potraw.
Pod kątem nachylenia nad głową najbardziej podkreśla się kształt potrawy i różne elementy sceny.
Kąt prosty
Ten prosty kąt kamery najlepiej nadaje się do „wysokich” potraw, takich jak hamburgery lub stosy ciastek czy naleśników. Podkreśla wysokość naczynia.
Kiedy kręcisz hamburgery i kanapki, bułka lub górny kawałek chleba zakrywają to, co jest w środku, więc robienie zdjęcia z dowolnego miejsca nad jedzeniem nie ma sensu.
Pamiętaj, że celem zawsze jest skupienie się na najlepszych cechach jedzenia.
Kompozycja
Narzędzia kompozycyjne mogą nam pomóc w tworzeniu lepszych zdjęć, jednak nie każde narzędzie będzie działać dla każdego obrazu.
Zanim zaczniesz strzelać, poznaj cel swojego obrazu. Jaki jest nastrój? Co chcesz przekazać? Jaki jest cel twojego strzału i jak zostanie użyty?
Dobra fotografia jedzenia wywołuje emocje widza. Kompozycja jest jednym z głównych narzędzi, które nam w tym pomagają.
Linia
Linia to najbardziej podstawowy element kompozycji wizualnej. Linie prowadzą oko przez fotografię do kluczowych punktów ogniskowych i elementów i utrzymują wzrok widza skupiony na obrazie.
Podczas pracy z liniami należy pamiętać o kilku kwestiach. Używając linii do kierowania oczu widza, powinny one wskazywać na główny obiekt lub na kadr.
Linie nie powinny również nigdy wychodzić poza kadr, ponieważ oczy będą zmuszone do opuszczenia obrazu. Osłabia to obraz i może spowodować utratę zainteresowania widza.
Reguła kursów
Zgodnie z regułą prawdopodobieństwa podczas fotografowania grupy obiektów posiadanie nieparzystej liczby elementów w kadrze jest znacznie bardziej interesujące wizualnie niż parzysta liczba elementów.
Nieparzyste liczby tworzą poczucie równowagi i harmonii oraz zapewniają punkt spoczynku dla naszych oczu, podczas gdy parzysta liczba obiektów może dzielić naszą uwagę i konkurować ze sobą.
Kiedy na obrazie jest więcej niż pięć elementów, umysłowi trudno jest zarejestrować większą liczbę. Z tego powodu dobrze jest połączyć wiele elementów w grupy liczb nieparzystych, gdy tylko jest to możliwe.
Zasada trójpodziału
Zasada trójpodziału ma pomóc w umiejscowieniu głównych elementów i centralnego punktu kompozycji.
Pomyśl o wyimaginowanej siatce, która dzieli obraz na dziewięć równych części, jak siatka kółko i krzyżyk. Współczynnik wynosi 1: 1 na prostokąt.
Rule of Thirds to świetne miejsce na rozpoczęcie. Pomaga w dodaniu harmonii do zdjęć i pomaga stawiać pierwsze kroki w kompozycji jako nowy fotograf. W rzeczywistości może działać w przypadku wielu obrazów, zwłaszcza krajobrazów.
Jednak jeśli chodzi o fotografowanie żywności, ta zasada może być ograniczająca. Możesz skończyć tworząc obrazy, które są niezrównoważone i niezręczne.
Siatka Phi to podobna koncepcja, która jest potężniejsza niż zasada trójpodziału. Obie siatki wyglądają prawie tak samo, ale środkowe linie siatki Phi są bliżej siebie.
Siatka Phi
Phi Grid
Siatka Phi jest wyrazem Złoty podział. Pomaga stworzyć zrównoważony i naturalnie przyjemny obraz.
Siatka Phi jest zgodna ze stosunkiem 1: 1,618, współczynnikiem, który ma charakter stały i do którego automatycznie dążymy.
Występuje w całym świecie przyrody, od muszli łodzika po liczbę płatków w kwiatku.
Złoty podział można znaleźć wszędzie na świecie wokół nas, chociaż nikt nie jest w stanie dokładnie wyjaśnić, dlaczego istnieje w ten sposób.
Możesz wykorzystać tę wiedzę w swojej fotografii. Zastanowienie się nad tym, jak oko porusza się po obrazie i wprowadzenie pewnego wyrazu złotego podziału pomoże Ci stworzyć obrazy, które mózg rozpozna jako atrakcyjne estetycznie i harmonijne.
Negatywna przestrzeń
Przestrzeń pozytywna to przestrzeń zajmowana przez główny temat. Przestrzeń negatywna to obszar, w którym oczy mogą odpocząć. Zapewnia równowagę, chwilę wytchnienia, podkreśla temat.
Negatywna przestrzeń może przedstawiać ruch i nadawać kontekst obrazowi. Może również dać widzowi wyobrażenie, że poza tym, co widzi oko, istnieje historia.
W fotografii żywności istnieje tendencja do fotografowania z dużą ilością negatywnej przestrzeni ze względu na umieszczenie tekstu, szczególnie jeśli chodzi o prace w czasopismach, opakowania produktów lub reklamy.
Kiedy obraz nie wykorzystuje negatywnej przestrzeni, może wydawać się nieco klaustrofobiczny i zagracony. Ponadto, gdy na obrazie dzieje się zbyt wiele, widz nie jest pewien, gdzie patrzeć.
Powtórzenie
Powtarzające się elementy również zwiększają zainteresowanie obrazem. Powtórzenie może wystąpić u badanego spontanicznie lub może być utworzone przez dodatkowe elementy, takie jak rekwizyty i składniki pomocnicze.
Czasami wzory mogą stać się monotonne, więc zerwanie wzoru może stworzyć mocniejszą fotografię.
Istnieją różne sposoby tworzenia przerw w deseniu, na przykład z przerwą w kolorze, kształcie, rozmiarze lub teksturze. Miejsce, w którym umieścisz tę przerwę, jest kluczowe; chcesz umieścić go w jednym z punktów ogniskowych lub wzdłuż przecinających się linii.
Kolor
Kolor jest ważną częścią kompozycji. Wywołuje emocje i tworzy nastrój w obrazie.
Chłodne i ciemne kolory, takie jak granat i czerń, cofają się, podczas gdy jasne lub ciepłe kolory, takie jak żółty, przyciągają przedmioty.
Zbyt jasne kolory tła i powierzchni mogą odwracać uwagę od obiektu; powinny być dobrane do nastroju, jaki chcesz stworzyć, a także w harmonii z wybranymi przez Ciebie elementami.
Kombinacje kolorów mogą być monochromatyczne, jeśli są zmianami tonalnymi w ramach jednego odcienia. To podejście ma swoje miejsce, ale wykorzystanie uzupełniających się kolorów jest świetną techniką do zastosowania w fotografii żywności.
Kolory dopełniające, takie jak czerwony i zielony lub niebieski i pomarańczowy, pojawiają się naprzeciw siebie na kole kolorów.
Kolorystyka, z którą zdecydujesz się pracować, będzie częściowo podyktowana fotografowaną żywnością.
Twoje kolory powinny być również zbalansowane pod względem braku zbyt wielu kolorów w ramce, co będzie wyglądało chaotycznie.
Tekstura
Jednym z najlepszych sposobów na uatrakcyjnienie zdjęć jest użycie tekstury. Dodaje kontrast i szczegóły oraz uwydatnia tematy związane z jedzeniem.
Tekstura występuje naturalnie w jedzeniu, ale może być również skutecznie stosowana na tle i powierzchniach, a także w rekwizytach i pościeli, o ile nie jest przesadzona.
Duża ilość tekstur w skomponowanych razem jedzeniu, pościeli i tłach może wyglądać na zbyt zajętą i przytłoczyć widza.
Edycja zdjęć
Lightroom firmy Adobe to doskonały program do przetwarzania końcowego. Jest bardziej intuicyjny i łatwiejszy do nauczenia niż Photoshop.
Zalecam używanie Lightrooma do dokonywania globalnych korekt, a następnie do dostrajania obrazu w Photoshopie, jeśli zajdzie taka potrzeba. Na przykład, jeśli musisz pracować nad określonymi obszarami obrazu.
Przyjrzyjmy się najważniejszym narzędziom:
Histogram
Aby odpowiednio dostosować ekspozycję i odcienie obrazu, należy mieć podstawową wiedzę na temat histogramu.
Histogram przedstawia zakres tonalny obrazu. Jasność jest przedstawiana na skali szarości. Każdy piksel obrazu jest przypisany do wartości.
Czarny jest po lewej stronie, a biały po prawej. Pomiędzy nimi można znaleźć odcienie szarości.
Rozkład tonów na histogramie informuje o całkowitej ekspozycji obrazu.
Duży szczyt w którymkolwiek z tych regionów oznacza, że obraz ma dużo pikseli przy tej konkretnej gęstości. Otwarta przerwa w histogramie oznacza, że nie ma pikseli przy tej gęstości.
Sprawdź, czy masz silny szczyt na czarnym lub białym końcu histogramu. Jeśli to zrobisz, Twoje zdjęcie może być niedoświetlone lub prześwietlone.
Ogólnie większość obrazów wygląda najlepiej, jeśli zawierają zarówno wartości ciemne, jak i jasne. W przeciwnym razie mogą nie mieć kontrastu i wyglądać płasko.
Uprawa
Dobrze jest przyciąć i wyprostować obraz, zanim zaczniesz wprowadzać globalne poprawki.
Aby wyprostować obraz, zacznij od Przekształcać panelu i kliknij -> Automatyczny.
Jeśli to nie zadziała, możesz wypróbować jedno z pozostałych ustawień lub zrobić to ręcznie w sekcji Narzędzie kadrowania.
Aby uzyskać dostęp do narzędzia Kadrowanie w Lightroom, kliknij symbol siatki pod histogramem w górnym panelu. Albo uderz R dla skrótu klawiaturowego. Umożliwi to przycięcie obrazu, umieszczając rogi kursorem.
Zwróć uwagę, że gdy kłódka jest zamknięta na symbolu kłódki, narzędzie równomiernie przytnie każdą stronę obrazu.
Jeśli chcesz dowolnie kształtować kadr, po prostu kliknij, aby go odblokować.
Balans bieli
Balans bieli w bardzo ważnym aspekcie obróbki zdjęć żywności.
Zalecam robienie zdjęć z szarą kartą i regulację balansu bieli w obróbce końcowej. To usuwa niepoprawne przebarwienia i zapewnia, że Twoje biele są naprawdę białe.
Szara karta to kawałek szarego plastiku, który można kupić w sklepie z aparatami fotograficznymi. Ma dokładnie 18% szarości, czyli to, czego szuka Twój aparat podczas pomiaru sceny.
Zrób zdjęcie z szarą kartą na scenie. W Lightroomie weź zakraplacz balansu bieli i kliknij szarą kartę. Automatycznie odczyta prawidłowy balans bieli.
Panel podstawowy
W tym panelu możesz wykonać wiele poprawek, zanim zdecydujesz się na ostateczny wygląd.
Narażenie wpływa na jasność zakresu tonów na obrazie, jednak zabawa z cieniami i światłami, a biel i czerń zapewni bardziej precyzyjne równoważenie tonów niż zwykłe poleganie na suwaku Ekspozycja.
Sprawdź, czy jasne obszary wyglądają na błotniste lub czy cienie nadal wymagają więcej światła. Przesuń suwaki do punktów, w których obraz ogólnie wygląda dobrze.
Prawdopodobnie będziesz musiał wrócić i ponownie ustawić suwak ekspozycji po wprowadzeniu zmian za pomocą innych suwaków.
Jaskrawość i nasycenie
Vibrance jest również ważnym suwakiem w edycji fotografii żywności.
To lepsze narzędzie do edycji niż Saturation ponieważ jest bardziej subtelny. Dostosowuje mniej nasycone kolory bez wzmacniania już nasyconych.
Jaskrawość najpierw zwiększy nasycenie wyciszonych kolorów, a następnie pozostałych kolorów.
To, czy faktycznie używasz suwaka nasycenia, zależy od obrazu. Ogólnie rzecz biorąc, konserwatywne podejście jest tym, co najlepiej sprawdza się podczas edycji fotografii żywności.
Jeśli zdecydujesz się użyć tego suwaka, przesuń go odrobinę w górę, do około +5 lub +6.
Krzywa tonalna
Nowi użytkownicy często znajdują rozszerzenie Krzywa tonalna trudne, ale jest to jedno z najpotężniejszych narzędzi dostępnych w Lightroom.
Krzywa tonalna to wykres, który odwzorowuje, gdzie leżą tony na obrazach. Dolna oś krzywej tonalnej zaczyna się od cieni po lewej stronie. Kończy się Highlights na prawym końcu. Średnie tony mieszczą się w środku, w zakresie od ciemniejszych do jaśniejszych. Stają się ciemniejsze, gdy przesuwasz się niżej, i jaśniejsze, gdy przesuwasz się w górę osi.
Możesz kontrolować jasność i ciemność swoich tonów. Poprawić Krzywa punktowa sama lub Krzywa regionu.
Region ma suwaki dla każdej części zakresu tonalnego. Podczas przeciągania każdego suwaka zmienia się zarówno krzywa, jak i obraz.
Aby dokonać zmian za pomocą krzywej punktu, kliknij obszar, na który chcesz wpłynąć. Stworzy to punkt zakotwiczenia, w którym będzie można kontrolować ton.
Przeciągnięcie punktu w górę rozjaśnia ten ton; przeciąganie go w dół przyciemnia go.
Oceń półcienie na zdjęciu, aby zobaczyć, czy są już jasne. Jeśli nie, kliknij środek krzywej tonalnej i podnieś punkt.
Jeśli są zbyt jasne, obniż krzywą. Sprawdź inne części obrazu.
Jeśli dopiero zaczynasz uczyć się krzywej tonalnej, najpierw baw się suwakami regionu. Zwróć uwagę, jak różne suwaki wpływają na krzywą.
Niezależnie od wybranego podejścia pamiętaj, aby obserwować histogram podczas wprowadzania zmian. W ten sposób upewnisz się, że nie stracisz ważnych szczegółów.
HSL
HSL oznacza Odcień, Nasycenie, i Luminancja. Tutaj balansujesz kolory w Lightroomie.
Dopasowania kolorów są zwykle bardziej subiektywne niż dopasowania tonalne. Dzieje się tak, ponieważ kolor nadaje fotografii poczucie nastroju.
W tym panelu można dokonać regulacji kolorów na dwa sposoby. Możesz dostosować je wszystkie naraz w sekcji HSL / wszystkie. Lub każdy kolor indywidualnie pod Kolor u góry panelu.
Plik Odcień Karta lub sekcja w górnej części panelu to miejsce, w którym możesz wybrać, jak ciepły lub chłodny ma być każdy kolor na obrazie.
Na przykład stwierdzam, że zielenie prawie zawsze wyglądają na odstraszające. Przesuwam zielenie nieco bardziej w lewo lub w prawo, aby wyglądały bardziej realistycznie.
Aby dodać więcej ciepła - czyli bardziej żółtego - do zieleni, przesuń ją w lewo. Aby uzyskać chłodniejszy odcień, przesunięcie go w prawo dodaje więcej niebieskiego.
Plik Nasycenie suwak w panelu podstawowym dostosowuje kolor całego obrazu. Ale suwaki nasycenia tutaj dostosowują każdy kolor indywidualnie.
Jeśli dostosujesz kolor tak, aby był bardziej nasycony, wpłynie to na nasycenie tego konkretnego koloru na całym zdjęciu.
Niezależnie od tego, czy pracujesz w panelu podstawowym, czy w panelu HSL, nasycenie wymaga lekkiej ręki.
W końcu, Luminancja wpływa na jasność koloru. Te suwaki są cenniejsze niż suwaki nasycenia, więc pracuj z nimi w pierwszej kolejności.
Edycja w Lightroomie polega na równowadze. To samo dotyczy regulacji barwy, nasycenia i luminancji.
Ostrzenie
Ostrzenie powinno być ostatnim krokiem edycji. Dodaje kontrast między pikselami i krawędziami, co tworzy definicję i bardziej wyrafinowany wygląd.
Nie musisz jednak wyostrzać całego obrazu, ponieważ w fotografii żywności nie ma sensu wyostrzać rekwizytów i tła.
Nacisk kładziony jest na jedzenie, więc to właśnie wyostrzasz.
Aby to zrobić w Lightroomie, zamaskuj obraz, aby zaznaczyć obszary obrazu, które chcesz wyostrzyć. Przytrzymaj Alt / Option podczas klikania Maskowanie w Ostrzenie płyta.
Lightroom pokaże Ci, gdzie jest stosowane wyostrzanie na biało. Twój obraz będzie wyglądał jak prześwietlenie.
Przesuń go w prawo. Im dalej w prawo, tym mniej wyostrzony obraz.
Przekonasz się, że będziesz w zakresie + 70-80 do wyostrzania do fotografii żywności.
Na zakończenie
Jeśli chodzi o fotografowanie jedzenia, można się wiele nauczyć, ale miejmy nadzieję, że ten przewodnik zawiera przegląd tego, co się z tym wiąże, i kilka pomysłów, jak poprawić swoje zdjęcia.
Im więcej posiadasz informacji, tym większą masz moc w podejmowaniu kreatywnych decyzji.
Przede wszystkim dużo praktyki przeniesie Cię na wyższy poziom w fotografowaniu potraw.