Przychodzi moment lub okres spoczynku, jak w karierze każdego fotografa (niezależnie od tego, czy jesteś fotografem średnio zaawansowanym, czy zawodowym), w którym uderzysz o ścianę. To kryzys jaźni, z którym musisz się zmierzyć, gdy osiągniesz pewien poziom biegłości technicznej. Cóż, w zasadzie trafiłeś na płaskowyż, ponieważ znasz już wszystkie elementy fotografii, od kompozycji, przez umiejętności techniczne, po edycję zdjęć, ale czegoś brakuje - treści, znaczenia, więzi emocjonalnej i znalezienia własnego stylu.
Zapraszam więc na chwilę do zapomnienia o tym, co wiesz, i spojrzenia na swoje zdjęcia w innym świetle. Kompozycja i sprawność techniczna są z pewnością ważnymi czynnikami przy tworzeniu dobrych zdjęć, ale jak tworzyć wspaniałe zdjęcia, które mają znaczenie?
Uświadomienie sobie, że za fotografią kryje się coś więcej niż tylko wizualna reprezentacja czasu, miejsca i tematu, i może być o wiele bardziej satysfakcjonujące, gdy rzucisz sobie wyzwanie, aby znaleźć swój głos, swoją perspektywę i stworzyć emocjonalną więź dla widza.
Twoje zdjęcia pokazują Twój punkt widzenia i perspektywę tego, jak widzisz świat. Na przykład, jeśli umieścisz sześciu fotografów w pokoju i poprosisz ich o stworzenie unikalnego obrazu, każde zdjęcie będzie inne. Już fotografujesz ze znaczeniem, po prostu nie zdawałeś sobie sprawy, jak bardzo twoja podświadomość dodaje twoją perspektywę do twoich obrazów.
Znaczenie w akcji
Teraz, gdy zdałeś sobie sprawę, że fotografia to coś więcej niż etap GAS (zespół nabywania sprzętu), w którym kupujesz najnowsze i najlepsze aparaty, obiektywy, oprogramowanie i różne przedmioty do fotografii, nadszedł czas, aby ewoluować w lepszego fotografa - jeden z celem.
„Prawdziwym pytaniem nie jest to, na co patrzysz, ale to, co widzisz”. - Henry David Thoreau
Jak więc oddzielić się od technicznej natury fotografii? Umiejętności, które odziedziczyłeś dzięki samouczkom, artykułom, zajęciom, warsztatom, filmom online itp., Wciąż są w Twojej głowie. W końcu czujesz się komfortowo podczas fotografowania w różnym oświetleniu, konfigurowania różnych schematów oświetlenia, znajomości sposobu poruszania się po aparacie, a wszystko to przyda się, gdy będziesz gotować własny głos lub styl filmowania.
Odkładając je na bok, musisz nauczyć się nowego sposobu fotografowania, a to będzie wymagało poświęcenia i ciężkiej pracy, ale ostatecznie będzie to najbardziej satysfakcjonujące przedsięwzięcie, zwłaszcza jeśli chcesz się tym utrzymać.
Mimikra to najwspanialsza forma pochlebstwa
Pierwszym krokiem jest próba wykonania zdjęć w stylu Twojego ulubionego fotografa. Ucząc się, w jaki sposób tworzą swoje obrazy, uzyskasz wskazówki dotyczące ich wizji, która zainspiruje twoje własne twórcze spostrzeżenia. Nie musisz dokładnie odtwarzać obrazu idealnie do nich podobnego, ale po prostu spróbuj zrozumieć, co robią, a następnie spróbuj to odtworzyć.
Krok drugi to podjęcie wyzwań fotograficznych. Wyzwanie fotograficzne lub zadanie domowe to sposób na przetestowanie strony technicznej i artystycznej w połączeniu w celu stworzenia zadania domowego, które inni ocenią. Bycie recenzowanym przez innych fotografów nie tylko da ci pomocne rady, ale także zapewni grubą skórę do przyszłej krytyki twojej pracy.
Możesz mieć określony styl fotografowania, który Cię interesuje, na przykład krajobrazy lub fotografia uliczna. Ale co, jeśli ktoś rzuci ci wyzwanie, abyś zrobił zdjęcia makro, architektoniczne, portrety lub cokolwiek innego niż to, do czego jesteś przyzwyczajony? Wyprowadza Cię ze strefy komfortu i kwestionuje Twoją wiedzę jako fotografa, a także dostarcza pomysłów, które możesz wykorzystać we własnej pracy.
Korzystasz teraz z całej swojej technicznej edukacji fotograficznej i wprowadzasz ją w życie. W końcu ma sens, że musisz znać te umiejętności techniczne, aby stworzyć coś o większym znaczeniu. To tak, jakby lekarz kończył staż, ucząc się, jak zostać chirurgiem. Czy zaufałbyś tej osobie, że cię otworzy bez uczenia się od innych, bardziej doświadczonych chirurgów? Tak samo jest z fotografią, podczas szkolenia zawodowego.
Musisz się tego wszystkiego nauczyć, wszystko przetestować i nauczyć się różnych stylów. Wtedy możesz zacząć dostrzegać swój styl, ponieważ powoli nauczyłeś się tworzyć własną wizję, studiując tych, z których pracą masz połączenie.
Kompozycja medytacyjna
Z początku zdałem sobie sprawę, że moją metodą było znalezienie tematu, komponowanie, chłonięcie atmosfery i cierpliwe czekanie. Czekając, wchłonąłem wszystko, co dzieje się wokół mnie, bez żadnych z góry przyjętych wyobrażeń, ale zamiast tego pozwalałem światu wydarzyć się wokół mnie, nie próbując go kontrolować. Był to stan medytacyjny, w którym rozstawiłem sztalugę (aparat na statywie) i czekałem na decydujący moment do wykonania zdjęcia (przyłożenie pędzla do płótna).
Byłem w pomniku narodowym White Sands w pobliżu Alamogordo w Nowym Meksyku zeszłego lata, siedząc na białym piaszczystym wzgórzu i obserwując, jak niebo zmienia się z głębokiego błękitu w ciemne niebo, formujące się w burzę z piorunami. Wiatry zaczęły się wzmagać i zaczął wiać biały piasek. W mojej kadrze widziałem, jak niebo zmienia się w tę głęboką purpurę, a piaski poruszają się niemal jak tornado jak wir. W tej chwili wiedziałem, że muszę nacisnąć migawkę i byłem w stanie uchwycić wyjątkową chwilę, komponując i czekając.
„Ale dobre zdjęcie to coś więcej niż informacja. Staramy się także przedstawić obraz, który wzbudza zaciekawienie widza lub, co najważniejsze, prowokuje go do myślenia - zadawania pytania lub po prostu patrzenia w zamyśleniu. Wiemy, że zdjęcia informują ludzi. Wiemy też, że zdjęcia poruszają ludzi. Zdjęcie, które robi jedno i drugie, jest tym, które chcemy zobaczyć i zrobić. Jest to rodzaj obrazu, który sprawia, że chcesz znowu wziąć swój aparat i zabrać się do pracy ”. - Sam Abell
Równorzędność
Równoważność to termin, który jest używany od czasu, gdy Alfred Stieglitz po raz pierwszy zaczął wyrażać swoją pracę jako coś więcej niż tylko uchwycenie rzeczywistości, ale zamiast tego rzeczy, które uchwycił, były z nim emocjonalnie związane, niezależnie od tego, czy były to wzory geometryczne, ludzie itp.
Termin równoważność pochodzi od malarza abstrakcyjnego Wassily'ego Kandinsky'ego. Jego misją było wzbudzenie większej ilości emocji za pomocą jego malarstwa, aby publiczność, która oglądała jego prace, mogła znaleźć i poczuć emocjonalne połączenie z jego dziełem. To właśnie Stieglitz w czasach, gdy fotografia była po prostu dokumentacją, wprowadził ideę ekwiwalencji do swojego procesu fotograficznego. Sprowadzając się do najprostszej formy, równoważność to przekonanie, że kolory, kształty i geometryczne linie odzwierciedlają wewnętrzne emocje. Studiując Kandinsky'ego, znalazł znaczenie we własnej pracy.
Więc co to oznacza dla Ciebie, fotografa próbującego tworzyć zdjęcia, które mają znaczenie? Znaczenie fotograficzne nie jest dosłownym tłumaczeniem obrazu. Zamiast tego jest to sposób, w jaki używasz swojego głosu lub perspektywy, aby stworzyć dzieło, którego nie trzeba wyjaśniać, a które również wywołuje w widzu coś / cokolwiek.
Ta równoważność jest tym, co odkryło wielu znakomitych fotografów, a kiedy widzimy zdjęcia „Migrant Mother” Dorothei Lange lub „The Falling Soldier” Roberta Capy, od razu jesteśmy pod ich wpływem i nie musimy rozumieć, co się dzieje. Widzimy grozę wojny i niepewność w oczach matki, która trzyma swoje dzieci.
Połącz kropki
Piękno fotografii polega na tym, że pojedynczy obraz może opowiedzieć całą historię, a esej fotograficzny może poskładać ważną narrację. Historia warta opowiedzenia to to samo, co sensowne fotografowanie. Fotografie są sposobem na pokazanie publiczności swojego punktu widzenia lub punktu widzenia fotografowanych osób.
Uchwycimy ludzkie doświadczenia, czy to ludobójstwo, czy powrót żołnierzy z wojny do domu. Może to być ból, piękno, wdzięk, wstręt, ale zdjęcia są wizualnymi gawędziarzami, a ci, którzy rozumieją, jak stworzyć historię za pomocą swoich obrazów, odnoszą największy sukces.
„Jeśli o mnie chodzi, fotografowanie jest sposobem zrozumienia, którego nie da się oddzielić od innych środków wizualnego wyrazu. Jest to sposób krzyku, wyzwolenia się, a nie udowadniania lub potwierdzania własnej oryginalności. To sposób na życie ”. - Henri Cartier-Bresson
Na twórczość każdego wielkiego fotografa wpływ mieli ci, którzy byli przed nimi. Niektórzy z nas mają naturalne wyczucie kompozycji i świetne wyczucie czasu, ale czy to oznacza, że ciężka praca nie pomoże tym, którym brakuje tych umiejętności, w ich zdobyciu?
Aby sfotografować z sensem, istnieje dosłowna droga do znalezienia tego odkrycia. Aby przyspieszyć ten proces, potrzeba ciężkiej pracy, poświęcenia i pokory. Musisz wypalić swoje karty pamięci i przyjrzeć się każdej klatce, aby zobaczyć, co działa, a co nie. Musisz spojrzeć na fotoksiążki mistrzów, aby zobaczyć ich wizję, pomóc kultywować własną, odtwarzając ich prace.
Musisz być cierpliwy, refleksyjny i skłonny do narażania się na niewygodne, a czasem nawet niebezpieczne sytuacje, aby naprawdę dążyć do zostania lepszym fotografem.
Stworzenie emocjonalnego związku z twoją pracą polega na znalezieniu równoważności, która przemówi do twoich odbiorców, bez konieczności nawet wyjaśniania siebie. Tak więc, aby było jasne, aby znaleźć sens w swoich zdjęciach, musisz być gotowy do studiowania, próbowania, porażki i eksplorowania innych gatunków fotografii, aby znaleźć swoje miejsce, swoją wizję i głębiej spojrzeć w siebie i pracy, którą wykonujesz. zamierzają stworzyć.
Studiując przodków fotografii, możesz stworzyć coś nowego, na co wpłynęły potężne, znaczące fotografie. Łączenie technik lub procesów innych osób nie jest plagiatem. Poza tym byłoby to jak powiedzenie komuś, kto nigdy nie czytał książki i nie rozumie fabuły, żeby napisał wielką amerykańską powieść.
Musisz nauczyć się chodzić, zanim będziesz mógł biegać.