Wcześniej w tym roku przeglądając listę fotografów w Google Plus natknąłem się na zdjęcie, które przykuło moją uwagę. Młoda dziewczyna z różowymi policzkami, dużymi szeroko otwartymi oczami i poważnym wyrazem twarzy stała pod zieloną tapetą, ubrana w jaskrawoczerwoną kurtkę, trzymając miskę wiśni.
Obraz był uderzający na wielu płaszczyznach - temat, kolorystyka, pozy, stylistyka obrazu i to, co wywoływało na poziomie emocjonalnym, sprawiło, że spojrzałem dwukrotnie.
Fotografem był Bill Gekas i szybkie spojrzenie na resztę jego pracy ujawniło kilka pięknych zdjęć o wyraźnym stylu i dbałości o szczegóły.
Dziś z przyjemnością przedstawiam wywiad z Billem Gekasem oraz niektóre z jego pięknych zdjęć. Bill mieszka w Melbourne w Australii. Sprawdź więcej jego prac na jego stronie internetowej i blogu. Połącz się z nim na Twitterze i Google+.
Bill - czy możesz nam trochę opowiedzieć o swoim przejściu z filmu na fotografię cyfrową? Kiedy i dlaczego dokonałeś zmiany?
Moje przejście od kliszy do technologii cyfrowej nastąpiło w 2005 roku. Do tego czasu zajmowałem się głównie fotografowaniem pozytywów i negatywów w kolorze 35 mm oraz wykonywałem własne wywoływanie i drukowanie w ciemni z kliszy czarno-białej 35 mm. Tak dobre, jak tradycyjne procesy mogły być w czasie, gdy przejście na przechwytywanie cyfrowe i przetwarzanie końcowe otworzyło zupełnie nowy świat, który naprawdę znacznie uprościł ten proces.
Jaki wpływ miało to przejście na Twoją pracę?
Miało to najbardziej pozytywny wpływ na moją pracę, w której odkryłem, że w końcu mogę tworzyć obrazy oczami wyobraźni, nie tracąc czasu i pieniędzy na tradycyjne procesy! Przechwytywanie cyfrowe uprościło przepływ pracy do tego stopnia, że narzędzia i przepływ pracy były teraz przezroczystą częścią procesu twórczego i nie przeszkadzały. W tym sensie było to naprawdę wyzwalające i bardzo mile widziane!
Czy portret zawsze był głównym tematem twojej fotografii? Jeśli nie - dlaczego wydaje się, że dziś tak bardzo się na tym skupiasz?
Portrety stały się moim głównym gatunkiem mniej więcej w tym samym czasie w 2005 roku. Do tego czasu naprawdę robiłem zdjęcia wszystkiego, ale po odkryciu niesamowitych prac portretowych wielkich dawnych fotografów zdałem sobie sprawę, że tematy na tych dobrze znanych fotografiach były kompletne. nieznajomi byli ze mną związani, portrety były niesamowite, prawie surrealistyczne i wtedy wiedziałem, że to będzie portret, portret z estetyką sztuki i kreatywnym zacięciem, w którym mogłem połączyć historyczne odniesienia, takie jak światło, rekwizyty lub atmosferę, z bardziej nowoczesne współczesne wyrażenie z tematu.
Twoja ostatnia praca ma bardzo wyraźny styl. Waham się, czy oznaczyć prace innych fotografów, ale jak to opisujesz?
Ten styl jest zwykle definiowany jako portret artystyczny i okaże się, że brakuje mu bardziej szczerych, wyostrzonych, zwykle uśmiechniętych wyrazów współczesnych portretów, które są obecnie modne przez wiele studiów portretowych. To bardziej emocjonalny i kreatywny styl portretu, który pociąga określony typ odbiorców.
Czy możesz z nami trochę porozmawiać o tym, co przyciągnęło cię do tego stylu fotografowania?
Emocjonująca, klimatyczna, niemal surrealistyczna natura tego! Jest to rodzaj ekspresji, który da ci temat i pozostanie z tobą długo po obejrzeniu obrazu. Uważam, że portretowanie może osiągnąć poziom, na którym nie widzimy już obrazu, ale faktycznie go czujemy, a to sprowadza się zasadniczo do siły połączenia między tematem a fotografem / widzem.
Twoja praca wydaje mi się dość skrupulatnie zaplanowana. Ile pracy wymaga przygotowanie Twojej fotografii? Skąd biorą się pomysły i jakie kroki podejmujesz, aby urzeczywistnić pomysł?
Przy tego typu ustawieniach fotograficznych zwykle robię zdjęcie przed wykonaniem zdjęcia! Oznacza to, że zdjęcie zostało już zrobione w mojej głowie zwykle kilka dni wcześniej, a potem jest to tylko kwestia przygotowania. Ta metoda umożliwia mi dopracowanie każdego aspektu sesji zdjęciowej i obróbki końcowej do poziomu, w którym czas poświęcony na badania i przygotowanie może wynosić 90% czasu, który obejmuje, a pozostałe 10% czasu rzeczywistego przypada na samą sesję. .
Kluczem do wykonania takiej sesji jest zaplanowanie wszystkiego, zanim obiekt wejdzie na scenę, oświetlenie, rekwizyty, kompozycję itp. Od przemyślenia do gotowego post-przetworzonego zdjęcia gotowego do wyświetlenia typowe ujęcie może średnio w sumie wynosić 8 godzin.
Wiele pomysłów pochodzi z mojego uznania dla dzieł dawnych mistrzów malarstwa. Caravaggio, Vermeer, Rembrandt, Raphael, Velazquez itd. Ale czerpię też wiele inspiracji z oglądania zagranicznych filmów, w których sceny kinowe odgrywają znaczącą rolę. Połączenie tych światów razem pomaga stworzyć klimatyczny portret.
Oczywiście każdy film Jean-Pierre'a Jeuneta również budzi inspirację do tworzenia, a ja zawsze mam przy sobie zeszyt z wstępnymi szkicami i pomysłami.
Jakiego aparatu i sprzętu oświetleniowego używasz do typowych zdjęć?
Obecnie robię zdjęcia lustrzanką cyfrową Pentax K5 i asortymentem obiektywów stałoogniskowych Pentax oraz zoomem 16-45 / 4. Nie ma szczególnego powodu do używania tej marki poza posiadaniem starych obiektywów z przeszłości, których nadal mogę używać w ich najnowszych korpusach lustrzanek cyfrowych.
Moja torba na aparat jest właściwie dość skromna w porównaniu do mojej torby na oświetlenie. Oświetlenie jest kluczem do wielu moich prac i posiadam wiele lamp błyskowych, stroboskop studyjny Einsteina, modyfikatory światła, reflektory, wyzwalacze RF itp. Większość moich prac w studiu w pomieszczeniach jest zwykle oświetlana za pomocą softboksa 28 ″ jako światła kluczowego, czasami druga lampa błyskowa z przymocowaną plamką siatki skierowaną na tło, aby je oświetlić, oraz biały reflektor po przeciwnej stronie obiektu, aby wypełnić niektóre zacienione obszary.
W przypadku zdjęć plenerowych zazwyczaj używam tylko jednego światła zmodyfikowanego za pomocą okrągłego modyfikatora, będącego średniej wielkości ośmiokątem lub parasolem. Próbuję sobie z tym poradzić, używając lamp błyskowych ze względu na ich wszechstronność i naprawdę używam stroboskopu Einsteina tylko wtedy, gdy muszę pokonać południowe słońce.
Czy możesz podzielić się z nami niedawno wykonanym zdjęciem i porozmawiać o tym pomyśle i sposobie jego wykonania?
Czerwony szalik (powyżej) - To zdjęcie zostało zrobione niedawno na zewnątrz, niedaleko mojego miejsca zamieszkania. Właściwie jest to mała żwirowa ścieżka rowerowa biegnąca obok strumienia. Pomysł z tej sesji pochodzi z podobnej sceny, którą widziałem niedawno w filmie, oczywiście była inna, ale będąc późną jesienią wczesną zimą tutaj, na półkuli południowej, chciałem zobrazować sezon i zamierzałem to osiągnąć za pomocą tło i wybór kostiumu.
Szara marynarka i beret musiały łączyć się z elementem sceny, jakim była żwirowa ścieżka, ciepłobarwne listowie miało oddawać porę roku, a najważniejszym elementem sceny jest czerwony szal, który przyciąga wzrok do interesującego nas miejsca. jest tematem. Czasami ważne jest, aby użyć mocnych kolorów, aby narysować i zakotwiczyć oczy w kluczowym punkcie zainteresowania, z zastrzeżeniem oczywiście, że działa on w scenie i uzupełnia inne odcienie, nie wyglądając nie na miejscu.
Technicznie rzecz biorąc, jest to proste ujęcie przy f4.0, 1/60 s po południu w pełnym cieniu. Ogniskowa wynosiła 28 mm aps-c, czyli około 42 mm na matrycy pełnoklatkowej. Światło było tylko pojedynczą lampą błyskową z mocą 1/4 wystrzeloną przez biały strzał przez aparat parasolowy w prawo.
Zobacz więcej prac Billa na jego stronie internetowej i na blogu. Połącz się z nim na Twitterze i Google+.